Science-fiction – John Harris

John est né à Londres, le 29 juillet 1948. Il commence à peindre à 14 ans et entre au Luton College of Art à 16 ans. Après avoir terminé un cours de base, il s’inscrit au cours de beaux-arts à Exeter en 1967 pour étudier la peinture, et il en sort diplômé en 1970.

Pendant six ans, il a voyagé et étudié la méditation.

En 1976, il a commencé à produire des tableaux qui expriment les préoccupations d’échelle et d’espace qui subsistent encore aujourd’hui. Sa première exposition était une exposition partagée avec l’artiste et architecte Nicholas Gilbert Scott, qui s’est tenue au Northcott Theatre de l’Université d’Exeter en 1977.

A l’automne de la même année, Young Artists, une agence d’artistes spécialisée dans la science-fiction et l’art fantastique, a commencé à le représenter. En moins d’un mois, l’éditeur Philip Dunn lui a offert une commande pour produire un groupe de trois tableaux qui illustreraient la trilogie classique de science-fiction, Cities in Flight. C’est ainsi que Philip Dunn a commandé un livre de son œuvre qui devait s’appeler Messe.

Dunn (Pierrot Publishing) a fait faillite avant que le livre ne puisse être publié, mais l’idée a donné lieu lors de son voyage au Sri Lanka en 1981 à la rencontre d’Arthur C. Clarke, une occasion charnière pour tout artiste de science-fiction. Ce n’est qu’en 2000 que le livre est finalement sorti lorsque Chrysalis Books a produit une anthologie de l’œuvre de John qui incorporait l’œuvre produite à l’origine pour la Messe.

Les années 1980 ont été largement consacrées à la production d’œuvres de science-fiction pour le secteur commercial, tant pour les couvertures de livres que pour la publicité. Pendant ce temps, une grande partie de son travail a commencé à être collecté par des entrepreneurs et une exposition majeure (la première exposition individuelle) du travail effectué pendant cette période, a eu lieu à Double Vision Galleries à Exeter.

En 1984-1985, il s’est rendu pour la première fois aux États-Unis et a visité la NASA. Ils l’ont ensuite invité à assister au lancement de la navette spatiale et à enregistrer l’événement dans un tableau, devenant le premier artiste britannique à être ainsi honoré. Cette œuvre est maintenant exposée au Kennedy Space Centre et fait partie de la Smithsonian Collection.

Au cours des vingt dernières années, il a élargi son travail pour inclure toute une gamme de styles et de contenus, mais il reste fermement ancré dans ce qu’il appelle le « réalisme imaginatif ». Au début de sa carrière, son style de peinture ressemblait le plus à celui de John Martin, le peintre anglais victorien d’immenses toiles, représentant généralement des scènes de catastrophe biblique. Une toile particulière, Le Dernier Homme, a produit chez l’artiste, un puissant sentiment de reconnaissance. Bien qu’il manquait le contenu mélodramatique des œuvres les plus connues, l’atmosphère obsédante et le sens de l’espace dans la pièce était quelque chose à laquelle il s’identifiait et qui revient souvent dans l’œuvre. Sur le plan technique, la finesse et la fluidité des détails de l’œuvre de Martin (caractéristique typique de la peinture victorienne) était un aspect que John a instinctivement reconnu comme militant contre la puissance brute du contenu, et au cours des années qui ont suivi, il s’est efforcé de s’en éloigner.

Au début de sa carrière, il a pratiqué une technique inhabituelle qu’il avait développée, impliquant l’utilisation d’encres à la gomme laque, posées sur la couleur du corps. Bien que cela ait eu des effets bénéfiques (texture, couleur riche, détails fins), la fragilité de la surface, l’impermanence de la couleur (certaines de ces premières images sont susceptibles de s’estomper avec le temps) et surtout, la rigidité du procédé, ont constitué une technique insatisfaisante.

Il a fini par abandonner cette façon de travailler et a commencé à peindre à l’acrylique, qu’il a utilisé pendant dix ou douze ans. C’était une petite libération en termes de changement d’image au fur et à mesure qu’il travaillait, mais ce médium avait aussi ses inconvénients. Pendant un certain temps, il avait évité d’utiliser l’aérographe, n’aimant pas la douceur mécanique, mais cela signifiait travailler très rapidement pour éviter les transitions de couleurs irrégulières. Finalement, vers le milieu des années 1990, il s’incline devant l’inévitable et revient aux techniques éprouvées de la peinture à l’huile sur toile, qu’il pratique encore aujourd’hui. L’immense plasticité du matériau, la fluidité et le temps de séchage contrôlable contribuent au processus essentiel pour trouver et produire la bonne image.

Ce dernier point est, pour lui, au cœur de l’art. Il voit le processus comme se déplaçant entre deux pôles. D’un côté, il commence par un sentiment, proche d’une vision déjà formée, puis de l’autre, poussant et tirant sur les matériaux jusqu’à ce qu’ils expriment ce que l’on veut.

Ce qui finit par se produire, peut ou peut ne pas être exactement ce qui a été vu à l’origine. Mais dans cette équation, il y a la possibilité que quelque chose d’inattendu puisse se produire, ce qui pourrait être plus magique que ce que l’artiste aurait pu imaginer. Et toujours, sa muse guide est le sens de l’échelle, l’atmosphère d’être dans un espace inconnaissable et illimité.